Recomendación: Try – WiNie

WiNie (23) (@winieverse)

El pasado 18 de abril la artista nacional WiNie lanzó su tercer single llamado “Try”, una sencilla inspiración que provocó la creación de esta pieza ambientada en los ritmos lentos y suaves del chill. Conversamos con la rapera para conocer sus impresiones y proyectos. Una auspiciosa carrera que avanza poquito a poco.

Por la Ciudad Respirando

WiNie es de esas artistas que llegó para quedarse. Sus letras, ritmos y las sensaciones que despierta. Es alguien que al escucharla, le crees. Por algún lado se percibe que no es una persona que cuenta una historia sin vivirla, y por estos días, aquello se agradece significativamente. Resalta la seguridad de quienes han decidido mostrar su intimidad a través de la música. 

“Try” su último single se estrenó el mes pasado y sutilmente se abre paso entre oídos. Ella nos contó que ésta fue una de esas pocas veces en que la letra surgió muy rápido. Algo muy relativo, pero de seguro gratificante. Así narra WiNie el episodio. “El día que la grabé me había juntado a hacer otra canción con mi productor, y entre medio me dieron ganas de grabarla mientras él revisaba el tema que habíamos dejado listo recién. Fue muy espontáneo”, afirmó.

Portada Single “Try”

Justamente la noche anterior a esa jornada ella se desveló algunas horas escuchando el disco del productor nacional Zifhang llamado “A Recipe for Sleep” (del 2020) – realmente una pasada ese álbum-  de corte experimental y diverso.  Entre aquellas melodías, WiNie aprovechó de escribir “Try”. Confiesa que no se le da muy fácil inspirarse con otra canción, por ende se dedicó de lleno a las ganas que subyacían del momento. 

Así nació la letra de Try. Me pierdo en un sueño / camino lento. En reversa avanzo / perdí la noción del tiempo”, comienza su declaración. El beat era parte de su biblioteca de proyectos. No recuerda dónde lo obtuvo pero sí que fue el primero que llegó a sus oídos. El primero como para ella. Nunca lo borró porque supo que algún día lo usaría, aunque en ese minuto “ni siquiera me había planteado hacer música”, confiesa.

Versión de Try con Animaciones

Laura a.k.a WiNie tiene 23 años y vive la música desde muy pequeña. Claro que antes no cantaba ni mucho menos, solo disfrutaba la escucha. Conoció el rap y el rock en sus inicios ya que madre y padre declaran un tanto fanatismo por ello. Sin embargo, en su grupo de amig@s el género nacido en el Bronx no se abría tanto paso.  Por ende para ella el rap era muy personal, muy propio de su personalidad, algo que no compartía con tod@s.  Aquello cambió. Cumpliendo la mayoría de edad, WiNie dejó Buin ,que es de dónde proviene, para venirse a Santiago a estudiar. Llegando aquí fue que comenzó a explorar incesantemente. Así narra sus acercamientos: Empecé a ir a tocatas, a ir a ver a los raperos chilenos que siempre me habían inspirado y acompañado, la Mente Sabia, Hijos de las Hojas, etc; e incluso conocí a algunos por casualidad, lo que hizo que me metiera mucho más en ese mundo. De a poco empecé a rodearme de mucha gente que hace música, y hoy mis más grandes amigxs también están metidxs en eso. Y bueno, el año pasado (2020) estaba trabajando en una productora audiovisual, empecé a meter el mundo de la música en la productora intentando levantar proyectos relacionados a ella, y entre una cosa y otra, le hablé a quien es mi productor hoy en día (sin conocerlo) para ofrecerle fotos para su nuevo estudio a cambio de una producción musical, le gustó la idea, nos juntamos y bueno, sigo con él trabajando hasta hoy (y las fotos nunca se las hice jajaja). Fue una propuesta espontánea de la que no esperaba mucho y no pensé que fuera a terminar tan bien afirma. 

Ese estudio es FYPS Studio (Follow Your Personal Sound) y el productor es el artista nacional Beuve DG (BVDGE en Spotify) quien ya maneja una amplia carrera. 

Es interesante ya que WiNie relata que siempre gustó cantar pero nunca creyó que fuese buena. Estando en el colegio se inscribía en cuanta actividad relacionada a la música hubiese pero nunca destacaba. Ella estaba enamorada del rap. Confiesa su admiración por Eminem cuando tenía 7 u 8 años. Se inició allá con el sonido americano de U.S.A. Wu-Tango, 2pac, Gang Starr y Pete Rock por nombrar algun@s. Ligeramente se acercó al rap chileno. Fue cautivada por letras del Bene o el Mathias Chinaski por ejemplo. Tantos otros que agrupa guiando su preferencia hacia la profundidad en las letras, no lo burdo ni superficial que tanto mal hace a la música.  “El rap es algo que nunca dejo de estudiar, veo documentales, leo entrevistas, reviso la historia, sus primeros exponentes, etc. Creo que me gusta por todo lo que hay detrás, el “por qué” de su nacimiento y lo que provoca en las personas. No siento que eso ocurra de la misma forma con otros estilos”, señaló.

“Try” es el tercero de sus singles. Anteriormente fue “Nocturna” y “Modo Triste” ambos disponibles en las principales plataformas. Un aura similar rodea a las tres. Un sello que poco a poco se distingue en la escena. Sencilla, tranquila, sumando confianza. Nada de gritos, no suena desesperada ni ansiosa. Ella simplemente está viviendo. Dejando que la vida haga y deshaga.  Las letras que ella escribe son profundas y personales. Su música es muy íntima, o al menos lo que ha soltado. Puede que más adelante la sensación de compartir y abarcar otros espectros emocionales se haga más fuerte, pero por ahora “más se descompone, me basta para conformarme, por eso el modo triste”, dice en su canción.

Vídeo de “Nocturna” – Estrenado el 27 de noviembre del 2020

Así cuenta WiNie cuando le preguntamos respecto a sus pasajes. “Siempre aprovecho los momentos en que me siento vulnerable (especialmente en los que me siento triste) para escribir. Son los minutos en que logro expresarme de mejor manera, me puedo concentrar, puedo ver con más claridad mis pensamientos. No siempre las cosas que escribo tienen que ver con lo que estoy sintiendo en el momento eso sí, pero sí vuelven recuerdos y trato de expresarlos de la forma más sincera posible. Es algo que tengo que trabajar también, me cuesta mucho escribir sobre temas felices y creo que debo lograr hacer ambas. Igual me pongo a pensar que empecé a hacer música en pandemia, no he tenido momentos de inspiración como los que tenía antes estando con más gente, en algún lugar que me guste mucho, viviendo cosas nuevas; espero que cuando se pueda volver a tener la vida de antes logre escribir sobre cosas felices”, afirma.

La verdad es que aún no ha pensado en sacar un EP o algún disco. Reconoce humildemente que su mejor labor en este momento es ir probando, buscar la versatilidad y definir su estilo. Un detalle importante, aún es estudiante por ende no puede dedicarle todo el tiempo que quisiera. Sin embargo apenas el reloj otorga unos granitos más de arena, ella avanza y le mete cabeza. Indica que los tres temas que tiene arriba no fueron planeados, y además, fueron creados en momentos muy distintos. “Los subí porque me gustó el resultado, me gusta que sean sinceros y siento que me representan. Son el inicio de mi historia musical”, afirma.

¿Cómo te sientes luego de sacar estos tres singles?

(@winieverse)

La verdad es que mi primer tema lo saqué solo con el fin de “decir” que estaba haciendo música, de mostrarle a las personas que estaba empezando con esto y tuvo mejor recibida de lo que esperaba. Me llamó mucho la atención el apoyo de la gente, en especial de quienes no conocía. Lo mismo con los dos temas siguientes, me llena el alma cuando alguien que no conozco me habla para decirme que le encantó el tema, veo también en la app de artistas de Spotify que me siguen escuchando y agregando a playlist, es muy gratificante porque es algo de lo que no tenía ninguna expectativa. Por otro lado, ya decidí que la música es algo a lo que quiero dedicarle una parte importante de mi vida, y necesito moverme para lograr ser exitosa. Tengo claro que soy nadie ahora, así que agradezco infinito este tipo de ayuda, que las personas se interesen y tengan acceso de alguna forma a conocer artistas nuevos, que se creen estos espacios para hablar sobre el tema, todo es muy necesario! Al final estas son las formas de ayuda que más hacen que llegue gente a escuchar mi música.

¿Cuáles son tus principales musas -divinas inspiraciones del arte-?

La verdad es que no existe una persona real que haya inspirado ninguno de los temas que tengo, me hablo más a mi misma, como si otra persona me estuviera hablando. Me gusta crear situaciones en mi mente, no necesariamente reales, o revivir cosas que me pasaron antes, pero la verdad es que me hablo a mi misma, aunque la forma en que escribo tiene ese fin, que quien me escuche crea que le estoy hablando a alguien más. He tratado de escribirle a otras personas pero nunca me ha gustado lo que sale de eso, la mayoría de las veces es  con mucha rabia, mucha impotencia, mucha pena; termino muy frustrada y recordando cosas que me gustaría poder olvidar, y después siento que recordar a esas personas que me hicieron daño con mis canciones no es la forma más inteligente de dar pasos adelante y superarlo. 

¿Algo que nos quieras comentar respecto a tu música, a los singles?

Creo que lo único que me gustaría decir es que todo lo que haga y comparta tiene mucho trabajo, horas de dedicación, sentimientos, llantos, frustraciones y amor por detrás. Espero que puedan acompañarl@s en sus momentos más tristes como también felices, y que me hagan saber si les gusta, si les hace sentido, quiero escuchar lo que piensan, lo que tienen que decir al respecto. 

Puedes seguir a WiNie en sus redes sociales y encontrar su música en las principales plataformas musicales del país.

Recomendación : Bigotuda

Portada Bigotuda (@empalagosa)

El pasado mes de enero el grupo nacional Empalagosa soltó su primer disco de larga duración llamado “Bigotuda”. Cuenta con doce tracks de corte enigmático, experimental y profundamente sentido. Una pieza llena de misterios, detalles y emociones. La Ciudad Respirando les entrevistó para conocer su perspectiva musical y personal.

Por La Ciudad Respirando

No todos los días te cruzas con un disco que debes volver a sintonizar. Un trabajo que de una pasada no alcanzas a vivir completamente. Entonces al asomarse, tendemos a formular nuestros movimientos para propiciar el espacio adecuado de escucha. Es que un álbum así se tiene que repasar una y otra vez. Casi como un libro o un film. Bigotuda calza perfecto en mi opinión.

La banda nacional Empalagosa presentó este extraordinario viaje. Diez canciones que nos encauzan hacia una ruta llena de curvas, subidas y bajadas. Aquel recorrido de paisajes íntimos y fugaces que más de alguna vez hemos transitado personalmente. Esta vez, Empalagosa se encarga de organizar todo.

Carolina Cerda y Gabriel Cartes

La banda formada actualmente por Gabriel Cartes y Carolina Cerda inició todo por allá en el invierno del 2017. Partió siendo un trío, pero terminó consolidándose como un dueto. Casi cuatro años de trabajo dieron como resultado este maravilloso disco. Ell@s son habitantes de este Chile, “paraíso fiscal” como lo señalan, específicamente de la comuna de San José de Maipo.

Lo primero que destacan de Bigotuda es que este proyecto es determinante a su edad. Lo definen como un disco adulto, que “no podríamos haberlo hecho a nuestros 20”. Clarifican que han ganado audacia y honestidad, perdiendo el temor al ridículo y al jugar. Ello les ha dado paciencia. Han masticado y saboreado cada etapa de la creación de Bigotuda. Amb@s consideran que han puesto al servicio de este trabajo todo lo que han aprendido en su vida, más allá de lo estrictamente musical. “Tiene que ver con reivindicar la creatividad y la “locura” de la adultez también, que suele percibirse socialmente como una etapa aburrida, convencional, sin fuego. No es nuestra intención derribar ese mito, es una reflexión que viene después. Y desde esa honestidad, hemos sido muy bien recibidos por públicos de todas las edades”, afirman.

Bigotuda mezcla la electrónica, el pop,algo de rap, rock, experimental, roots, y un sin fin de corrientes. Si nos ponemos estrictos, realmente podríamos constatar que su inspiración radica en años y años de camino. No cualquier banda lanza algo así siendo este su primer disco.

Cuando les preguntamos por su inspiración Gabriel señala que esta viene de temas musicales como extramusicales. Define que si hay una idea no musical, que puede ser una situación, un personaje, un concepto, etc, ell@s la desarrollan desde lo general a lo particular. Por otro lado, si aparece para sí un motivo musical, parten desde ése motivo a la generalidad, sumando otros elementos, conceptos, historias y atmósferas.

Carolina en tanto nos comenta que sus creaciones nacen en la mayoría desde el juego, en plena libertad y diversión. El placer y el sentido del humor son importantes. Por ejemplo, muchas veces se trata de un texto que puede ser abstracto y profundo, pero con la música se le puede dar una atmósfera juguetona y aliviarlo, comenta.

Empalagosa

Anteriormente Gabriel y Caro conformaron otro proyecto llamado “Movimiento por la Liberación del Ruido” y lo definen de esta manera: “Consistía en generar atmósferas sonoras sin ningún tipo de patrón, todo improvisado. Gabriel tocaba instrumentos electrónicos, y yo instrumentos acústicos. Gabriel estudió música formalmente, mientras que yo venía del mundo de la sonoterapia, con instrumentos considerados como ancestrales. Eso dió pie a que nos afiatáramos como dupla creativa y a jugar con distintas sonoridades. También tuve una pasada por el mundo del teatro, mucho de eso quedó plasmado en empalagosa, no sólo en la puesta en escena, sino en la manera en que está concebida la canción. Así como también la experiencia con la meditación y las medicinas chamánicas, esto último se nota sobretodo en algunas de las letras”, explican.

Dado ello, sus influencias musicales y creativas son múltiples. Desde la cultura pop, el teatro, las teleseries, la psicodelia, la estética kitch, el pop de los 90, el mundo de la moda, hasta lo más elevado: estados meditativos, poesía, viajes chamánicos o la reflexión sobre el mundo que nos rodea. “Yo diría que en general lo escénico, porque cada canción es como si fuese una escena, o un cuadro, una descripción de una situación. Tal vez por esto es que las personas que nos han escuchado dicen tener la sensación de un “viaje”. afirma Carolina.

Gabriel complementa constatando que los instrumentos también son influencias creativas por lo que existe una búsqueda por aprender mucho sobre ellos, dado que cada sonido evoca algo diferente. Empalagosa define su trabajo como un collage. Un gran collage de todas las cosas que gustan y motivan. Sobre todo también lo que hacen bien. “Sentimos que Bigotuda es como un monstruo, un ser que surge tras la combinación de muchos elementos musicales, visuales, poéticos, performáticos, espirituales. Un viaje que se compone de distintos momentos, cada uno con vida propia, colores propios y personalidad propia”, afirman.

¿Algo que nos quieran comentar del álbum? ¿Algún tipo de recomendación para su escucha? ¿Está pensado para algo en particular o simplemente para compartir y vacilar la música y el contenido?

Caro: Bigotuda es como un viaje que va pasando por distintos momentos, sabores y texturas. Se puede escuchar con atención, y también se puede vacilar. O ambas. Es entretenido, por momentos se oscurece y densifica, y otras veces se eleva. A ratos se puede bailar, a ratos te puede hacer reír. Pero como todo viaje, es personal. A mi me parece que la esencia de Empalagosa está en el escenario, el poder ver, escuchar e interactuar. La escucha del disco, en cambio, es una dimensión más personal y subjetiva.

Gabriel: A mi me gustaría que fuera escuchado de corrido, de principio a fin y en el orden en el que está, 10 tracks y 2 bonus.

¿Qué piensan de la cultura Hip Hop en Chile? (Si tienen alguna opinión)
Sino puede ser qué piensan de la cultura musical o artística de nuestro país.

Caro: Tengo la sensación de que en Chile hay un espíritu creador muy sensible, profundo, estudioso e innovador. Nuestra geografía incluso nos induce a irnos hacia adentro, pensar mucho, darle vueltas a las cosas, con mucha curiosidad hacia lo que viene de afuera. Y por otra parte el y la artista en medio de la adversidad absoluta, se convierte en una especie de guerrer@ o mag@ reinventándose y aprendiendo distintas cosas continuamente. No es solo por curiosidad que l@s artistas acá manejan múltiples oficios, sino también por necesidad. Por ejemplo, actualmente han cundido mucho los proyectos solistas, porque la vida en este sistema no nos da tiempo ni medios como para sostener un proyecto de banda. Y esta misma precariedad (sin ánimo de romantizar) nos impulsa con más ganas a experimentar, con lo que sea que tengamos a mano, y sin mediadores. Porque no tenemos nada que perder. Me he fijado, por ejemplo, que cada vez mas l@s music@s se están atreviendo a preocuparse por la puesta en escena y el look. Veo menos énfasis en el virtuosismo, más apertura a integrar otras artes, a ir variando los formatos, los escenarios, a mezclar estilos, nuevas formas de compartir lo que se hace, etc. Veo mucha sinceridad y cariño en lo que me ha tocado conocer. Una de las cosas que más agradezco de Empalagosa es la gente que gracias a este proyecto hemos podido conocer. Personas impresionantemente maravillosas, en lo humano, lo profesional y lo creativo.

@empalagosa

Gabriel: de la escena Hip Hop me gusta la valoración que hace de la cultura mapuche y otros pueblos ancestrales como por ejemplo Mc Millaray y Waikil. Me gusta su compromiso con estas y otras causas sociales. Además el buen nivel de organización que tienen para generar eventos de calidad. Y en cuanto a la escena artística en general, está siendo prácticamente por completo autogestionada, sin apoyo , sin espacios, sin retribución económica, sin difusión y por el contrario, se la criminaliza y restringe. Nos están desacostumbrando a la cultura, cuando debiese ser un hábito.

¿Cuáles son sus principios o cosas que no olvidas?

Disfrutar lo que hacemos, que nos guste. Compartirlo abiertamente. Honestidad. Buen trato con las personas con las que nos toca trabajar, ya sea si nos están invitando a tocar, o si es algo más permanente: contestar el mensaje, saludar y despedirse, agradecer, pedir las cosas amablemente. Ofrecer disculpas si vamos atrasados o algo así. Valorar el trabajo del otr@ y destacar: si compartimos escenario con más bandas, presenciar sus shows y compartirlos. No aparecer solo cuando nos toca. Ayudarle con el cable, con el atril, sacarle una fotito, etiquetarlas… El divismo paso de moda, o al menos eso quisiera.

El disco Bigotuda se encuentra disponible en las principales plataformas musicales.

Pueden seguir a Empalagosa a través de sus redes sociales

Instagram: Empalagosa

Dania Neko estrena junto a Gonem Beats

Portada del Single

Ayer viernes el Sello Tomate Música presentó un nuevo single de la MC oriunda de San Joaquín, Dania Neko en colaboración con el destacado beatmaker Gonem Beats. El track se llama “Pasos Ajenos” y se encuentra disponible en las principales plataformas musicales. Próximamente el estreno continúa con el lanzamiento del vídeo clip realizado por Cimática Lab.

Por la Ciudad Respirando

La semana pasada fue una particular franja temporal de estrenos. Much@s artistas revelaron singles y álbumes repletos de sentimiento. En la misma, el Sello Tomate Música liberó el nuevo tema de la tremendisima rapera nacional Dania Neko.  Para sorpresa de quienes permanecemos expectantes a la salida de canciones, “Pasos Ajenos” coronó la tanda de lanzamientos. Claro que para sus líricas, la instrumental debía ser capaz de sostener la energía y determinación del mensaje, Gonem Beats indicó con sabiduría.

Ésta es la primera de muchas colaboraciones que proyectan. Probablemente sea uno de los mejores juntes que tendrá el erreape creado en nuestro territorio. Dania y Gonem nos refieren su perspectiva y sentimiento que atestiguan durante este caótico tiempo en el país y el mundo. El comunicado brindado por el sello señala que para Dania “Pasos ajenos”, habla del contexto represivo de la vida en pandemia, tomando como referencias la persecución policial y la conducta opresiva impuesta por el sistema Neoliberal. Para Gonem, la canción guarda mucha fuerza interna tanto en la lírica como en la instrumental. Señaló a su vez que el foco fue crear “un ritmo que tuviese una atmósfera donde Dania tuviese la libertad de hacer y deshacer con la métrica lo que ella sintiera”

Como si no fuese poco, el Sello Tomate anticipó que “Pasos Ajenos”  se acompaña de un clip audiovisual (realizado por Cimática Lab) que vería la luz el próximo martes 27 de abril, por su canal en Youtube. Jaime Casetti estuvo en la cámara y Diego Alonso en el montaje. Este sencillo cuenta con la participación especial de Dj Seeall en los sratches. Pasos Ajenos es el segundo lanzamiento de rapera en lo que va del año, anticipando lo que será su próximo disco llamado Coraje. 

Recordemos que amb@s artistas son escuela y pesan inmensamente en la escena latinoamericana. El espacio Somos Ruidas describe a Dania como una rapera que mezcla influencias del bossa, la música folklórica y el Hip Hop. Ha publicado dos proyectos de larga duración: Depura (2015) nominado a los premios Pulsar por mejor disco de música urbana y “Vértigo” (2019) un disco con sonidos de rap fusión y electrónica. Lo mejor es que la MC se encuentra encumbrada en lo que es “Coraje” su próximo álbum, el rap y el flamenco se entrelazan para conciliar los viajes creativos que datan más o menos desde hace tres años. 

Gonem Beats (Foto: Tomate Música)

Musicalmente Gonem Beats es alguién que acarrea bastante calle, bastante experiencia y cúmulos de destreza. El productor musical nacido en Santiago de Chile actualmente forma parte de la Liga de Freestyle FMS, organizada por la marca Urban Roosters. Es un beatmaker que cuenta con varias producciones para sí mismo y para otr@s raper@s. Su álbum debut del 2018 “Ritos de la Calle”, fue re contra elogiado por la escena, además de “Patterns, Dogs & Weed” saga de volúmenes que Gonem legó para l@ freestyler. Ha producido con importantes artistas del medio nacional e internacional, entre los que destacan los chilenos Lenwadura, Zita Zoe, Rolando Fino y los españoles Putolargo y Zeidah.

En agosto del año pasado fue entrevistado por el sitio web de “Urban Rooster”, allí señaló que la música siempre estuvo presente en su búsqueda artística. Decidió quedarse con el beatmaker porque “el poder de crear un ritmo gracias a otros sonidos es una locura”. Afirma también que no pudo sentir lo mismo en las otras disciplinas aún cuando se considera fan número uno de ellas, sin embargo me pasa algo con los ritmos. “Escuchaba una cosa y ya estaba transformando esto en música en mi mente. Si uno pudiera grabar el cerebro”, afirmó.

Fuentes:

Estreno – Cámara de Gas

Portada (Michelle Nuñez @primaveraenabril)

Tánatos ft Charly Humos & Dj Ropo (Música por Desco)

A fines del mes pasado, el MC y compositor Tánatos estrenó su más reciente single llamado “Cámara de Gas”, una colaboración realizada con grandes artistas de la escena: Charly Humos, Dj Ropo y Desco. El track representa un grito de guerra en esta lucha social que vivimos día a día. Las denuncias y declaraciones del alma frente al cegado y dormido estandarte que nos acoplan opresores. Una manifestación del vivir de forma consciente. 

Por la Ciudad Respirando

El inicio del comunicado enviado por el sello Pupila Negra, encargado de materializar esta colaboración, señala que Cámara de Gas es un “trabajo creado con mucho amor para l@s nuestr@s”. Como no, si ha salido a luz en un formato cuidado y tremendamente cálido. 

El formato maxi –extendido ampliamente a comienzos de los 80- incluye el trabajo completo de estos artistas. Por un lado encontramos el tema original musicalizado por Desco, con las voces de Tánatos, Charly Humos y los cortes del destacado Dj Ropo. Por la otra cara, encontramos un Lo-Fi Remix realizado por Charly Humos, quien además de rapear en el tema,  lo mezcló y masterizó. Para finalizar podemos encontrar el acapella del tema. 

Pupila Negra Estudio fue la escudería que lanzó Cámara de Gas. Según los artistas, ésta es una de las colaboraciones más inesperadas y sorpresivas de la escena capitalina, pese a que ambos artistas residen en el sector sur de Santiago.  “Si eres un cultivador de vida y libertad te rajan”, sentencia Tánatos en una de sus frases. Aquella afirmación es clara muestra de la realidad que hoy vive nuestro país con respecto a todas las medidas de represión tomadas por el gobierno en contra de quienes acusan la barbarie desatada. “El arte a veces se estanca pero siempre llegará a la fuente”, sentencia Charly Humos.

El comunicado afirma que “esta obra hace un llamado a la acción pero sin perder la reflexión en estos tiempos llenos de incertidumbre y caos”. De alguna forma es fundamental elevar el diálogo, el debate y la resolución de los conflictos, sin dejar omitida la protesta y rebelión frente al abuso de los poderes del estado frente a la población en general.

El diseño del proyecto fue realizado por la artista y diseñadora Michelle Nuñez. El disco se encuentra disponible en las principales plataformas musicales y para su descarga directa en  nstlg.bandcamp.com

“Encarcelados por gritar nuestros derechos y por vivir consciente y consecuentemente en contra de un modelo capitalista que sigue extinguido nuestro planeta y haciendo cada día más ricos a los ricos y más pobres a los pobres” 

Pueden seguir a tod@s en sus respectivas cuentas de Instagram:

Charly Humos

Dj Ropo

Desco

Tanatos:

Diseño gráfico: Michelle Nuñez

Spotify: https://open.spotify.com/album/12593c42VyFVWe0kPjGBLw?si=EcRZTa3qRpSwyjYRJ-Mflw

YouTube: https://youtube.com/playlist?list=PLYowoWxPSKIRc1w1j7dT580eRNuVZ5e6C

Descárgalo en Bandcamp: https://nstlg.bandcamp.com/

Link Streaming

Spotify: https://open.spotify.com/album/12593c42VyFVWe0kPjGBLw

Youtube: https://youtu.be/3b24O8e34WE

Estreno Audiovisual “2005” Dreal

El Dj y productor Dreal estrenó el audiovisual del tema “2005” perteneciente a su último disco llamado Buen Viaje. La cinta estuvo a cargo de Anil Producciones y la dirección de Diego Zubicueta.  Esta es la segunda entrega que nos brindan en conjunto luego de “Volver al Pasado”, vídeo que obtuvo el segundo lugar en el “Festival Light Blue” durante el 2017.

Por la Ciudad Respirando

Los tres minutos y treinta y tres segundos se pasan en un abrir y cerrar de ojos. Aquella fue la primera impresión luego de revisar el último trabajo estrenado por Dreal y Anil Producciones.  “2005” es la canción que da inicio al Buen Viaje. Es la presentación del camino experimentado por el artista.  Dicho recorrido puede interpretarse de múltiples maneras sin embargo, luego de ver el audiovisual, podemos suponer que alude a un trayecto de desarrollo espiritual y sensorial.

El comunicado oficial entregado por Dreal y el sello Over Dub Label, del cual forma parte, señalan que este film nos sumerge en un atrapante ambiente cargado a la estética urbana como edificios, autopistas, entre otros. Cortes futuristas, imágenes nítidas y tomas bien cuidadas, sin duda, reflejan el tremendo trabajo elevado por los autores. 

El vídeo cuenta la historia de un niño que aparece sumergido en un sueño premonitorio de su vida como Dj. Las tomas fueron logradas utilizando diferentes recursos: fotografías, drones, técnicas audiovisuales. Todas estas destrezas se integraron a las “sonoridades de los samples y scratcches característicos del productor”, señala el comunicado.

Dreal ya cuenta con varios proyectos audiovisuales y musicales.  Cabe señalar que “Carlos”, nombre real de Dreal, es además sociólogo. La Ciudad Respirando conversó respecto a este último estreno.

El vídeo se origina debido a que Dreal cree que es mejor que los temas vayan acompañados de material audiovisual. Una combinación perfecta entre ambas aristas hacen que los proyectos permanezcan más cercanos y definidos en las personas.  La idea surge el pasado 2020 luego de que Dreal viera un film muy similar. Recordó que Diego (Zubicueta). director del video, también le mencionó la intención de generar un trabajo audiovisual con tal tema. “Le pusimos ganas, pimponeamos cosas y salió”, señaló.

No es fácil en esta industria subir un vídeo. Digamos que colgar cualquier material capturado como una historia de instagram a la gran mayoría se le hace fácil, pero poner rostro para un rodaje de mayor duración, con iluminación, puesta en escena y dirección pone nervioso a cualquiera. Así se sentía Dreal, sin embargo no fue impedimento para lograr el cometido. “Creo que es ansiedad generada también por ver el resultado final”, añadió. 

Las influencias audiovisuales que debieron trabajar Diego y Simón Navarro (productor del vídeo) son prácticamente las mismas que Dreal maneja a la hora de hacer música: ”Dj Shadow, Dj Raff, Flume, Tokimonsta, Dj Krush”,  afirmó. 

¿Qué importancia le das a lo audiovisual dentro del plano de la música? (De manera que sirve para ayudar a generar más contenido)

Para mi es un tremendo impacto poder ver plasmado la música instrumental en una pieza audiovisual, sin la necesidad de ninguna letra, solo drum, samples y scratches.

Siempre he creído que queda más grabado en la mente un tema con video que un tema sin.

Toma del video (Dron) (Anil Producciones)

¿Cómo fue el rodaje del vídeo?

El rodaje se dividió a grandes rasgos, en 3 etapas:

1º.- fotografías y grabaciones de piezas arquitectónicas (edificios) drones en rotondas, calle en general, 

2º.-film con el actor en su casa, donde se la jugó con sus piruetas y su excelente actitud frente a la cámaras.

3º.- Por último, las imágenes donde aparezco con los equipos y artefactos que le dan onda al ambiente.

¿Algo que nos quieras comentar?

Quedé encantado con el resultado, soy muy huéviado y casi siempre busco que todo quede perfecto, siento que  Diego y Simon (Anil Producciones) son  muy similares en ese sentido, además les gusta lo que hago y eso me deja más feliz aún.

Este iba ser mi último video, me cuesta mucho hacer cosas. Cuando creces estas lleno de obligaciones (como tod@s), ejemplo, yo tengo una familia, un pequeño de 4 años ultra regalón con el que trato de jugar todos los días, aparte tengo un trabajo formal y para rematarla ahora me puse estudiar, así que por falta de tiempo y poca motivación, este iba ser mi último trabajo artístico, pero parece que el destino no lo quiere así. 

Soy un convencido de que a veces no le podemos doblar la mano al destino, así que en un par de meses tendré un par de noticias importantes.

¿Tienes algunos agradecimientos?

Infinito agradecimiento al Diego y Anil Producciones

A mi familia que me apaña en todo

Al Gonzalo por la publicidad!

A los cabros que me apoyan siempre dándome suportt como ustedes, ZKT1 ZKT1TRIBU, OVER DUB, BEATMAKCER ATTACK, MAKIN MOVS.

Pueden encontrar el vídeo y su último disco “Buen Viaje” en las principales plataformas.

Spotify: https://open.spotify.com/artist/5uoBSAbjlBKGwnCaKfogsC

Sound clound: https://soundcloud.com/dj_dreal/sets/buen-viaje 

Youtube (videos): https://www.youtube.com/user/d2snegros/videos

Instagram: https://www.instagram.com/drealhidalgo

Especificaciones del video: 

Dirección y dirección de fotografía: Diego Zubicueta https://instagram.com/chole.sb​ 

Producciones general y post producción: Simón Navarro https://instagram.com/simon.galano​ 

Asistente de dirección: Víctor Villegas https://instagram.com/etnocinema​ 

Asistente de producción: Marcelino Paiva https://instagram.com/mpaiva1991​ 

Drone: Javier Astudillo https://instagram.com/javivisual​ 

Montaje: Anil Producciones

https://instagram.com/anilproducciones​

www.anilproducciones.cl 

Track en Youtube.

Dark Honey – Tigre Blanco

Dark Honey

Hace algunas semanas el sello musical Paraíso Modular Records con base en Ecuador  estrenó el álbum “Otros Paraísos Vol. 2” un recopilatorio musical que refresca el sonido de artistas iberoamericanos ligados a diferentes vertientes de la electrónica, el dance y la fusión.  El productor coterráneo Dark Honey participa con la canción Tigre Blanco.

Por la Ciudad Respirando

Dark Honey a.k.a Pólvora Negra, como también le conocemos en el mundo de las máquinas, lanzó su más reciente estreno “Tigre Blanco”, sin embargo este viene inserto en el disco compilatorio llamado “Otros Paraísos Vol 2” del sello discográfico Paraíso Modular Records.

El material se compone de 9 tracks, en cada uno se puede apreciar la raíz electrónica y experimental de l@s artistas que colaboran en este auspicioso proyecto. Sumado al chileno, podemos encontrar el flujo creativo de STRBLZR, la banda formada en Quito, Don Cráneos, también Detonador, la agrupación de dance/fusión “Danzan las Plantas”, el reconocido Dj Elliot The French Kid, el duo electro pop “Entertainiment”, Hemophilia y la banda core Fragments. 

El sello nos trae a la palestra el reconocido trabajo de est@s artistas que se encuentran paralelamente trabajando en sus carreras personales. Dark Honey aporta con Tigre Blanco, el tema de corte oriental inspirado en la película que lleva el mismo nombre, drama indio que narra la vida de Balram, un joven nacido en la casta baja destinado a servir a otro de casta alta. El filme narra el recorrido de su vida. 

Dark Honey – Tigre Blanco (Otros Paraísos Vol.2)

Dark Honey nos comentó que se inspiró en esta trama y estética visual del largometraje. “Seguí el cuento del nombre pensando también en los viajes del disco hacia otros paraísos, en mi caso, al del tercer mundo”, señaló.

La canción está realizada en un formato Live, esto quiere decir que Dark Honey hizo una toma en vivo y tal cual quedó, la mandó. Todos los efectos y cortes del track fueron creados así. “Quería que tuviera ese rollo humano de perfección”, indicó.

Esta invitación afirmó sus ganas de experimentar cosas y crear. “En realidad me divierto con el asunto”, afirmó. 


La artista visual y diseñadora Valeria Prieto fue la encargada de realizar el arte. Por su parte la gente de Paraíso Modular Records nos deja claro en su página web que son un sello discográfico enfocado en el actos en vivo con instrumentos musicales electrónicos, hardware análogos y digitales. Se encuentran en la mitad del mundo (Quito, Ecuador). Se declaran creyentes del crecimiento finito, consciente, sostenible y sustentable. Amantes de la contracultura. 

Pueden encontrarle en las principales plataformas (Youtube y Spotify) y también en las redes sociales de Instagram y Facebook.

Disco Completo “Otros Paraísos Vol 2”

Recomendación: “Gold” – Dr Sagga

Dr. Sagga (Pic: @proletadelirante)

Recomendamos a ustedes un discazo re-estrenado hace algunos meses por el sello discográfico Alkymya Music. Se trata del último trabajo realizado por el productor capitalino Dr Sagga.

“Gold” es una mezcla sonora que experimenta una circulación en diferentes estilos y matices, un tránsito musical que viraliza la energía y el carácter del músico que acumula varias emociones en su proyecto. La Ciudad Respirando le entrevistó acerca de éste y otros tópicos de su vida.

Por la Ciudad Respirando

Son pocos los discos en la escena beatmaker chilena que se caracterizan por ser versátiles y recorrer espacios, tiempos y melodías profundamente distantes unas de otras. Es cierto que aquella impresión no se cumple completamente dado que muchas veces la música se refiere a una expresión personal del compositor o compositora, tendiendo a ser encajonada en el marco íntimo desarrollado en cada vida. De alguna manera, nuestra voluntada creativa alude a una gran “entidad” que libera todas las sensaciones y destapa los recovecos por donde escurre la inspiración. 

Alejandro Saravia (30), a.k.a Dr Sagga, proviene de la comuna de Puente Alto pero actualmente se cobija en las calles de Recoleta. Santiago es la ciudad que alberga su escena. Se inició en los beats entre los años 2007 y 2008.  Antes siquiera de asomar sus oídos en la cultura Hip Hop, Sagga ya volcaba sus horas en la música. Él mismo lo señala al momento de referirse a sí mismo: “Se nota en lo que hago. El rap no es no es mi pilar fundamental de creación”, señala. 

@proletadelirante

Pero Gold contiene elementos del rap, del techno, el trap y el soul, entre otros. Es un disco que no se puede escuchar solo una vez, ya que el recorrido por el mapa ilustrado musicalmente por Dr Sagga plantea situaciones para diferentes estados. El productor nos repasa la influencia musical que los últimos años ha nutrido su trabajo. 

Recién en el 2008, hacia finales, Alejandro comenzó a componer. Antes se encontraba nada más “guitarreando por ahí”. Su mayor deseo era que cayese del cielo una guitarra eléctrica. Gracias a que dicho anhelo no se cumplio, empezó a indagar el Fruity Loops Studio (FL Studio).  Nos comenta que la seriedad se estableció el 2015. Fue desde allí que notó el crecimiento de su carrera.

Dr Sagga también hizo graffitis. Un buen tiempo después nos cuenta que encendió su chispa musical y se dedicó a desarrollar el sonido de su interés. “Yo quería mejorar al 300% de lo que estaba dando”, sentenció.

Confiesa que le costó bastante generar un boom bap decente a su opinión, pero para ese momento el bagaje creativo de su música era bastante amplio. “Es recién ahora que me siento en un momento donde puedo hacer lo que quiero, incursionar en algo que nunca antes he hecho por ejemplo, solo debo dedicarle un poco de tiempo pero la constancia y el método están ahí. Algo así como la recompensa del esfuerzo”, afirma.

Gold es una obra compleja. Podemos desgranar dicha opinión en dos argumentos. El primero yace en la diversidad de estados que genera su escucha. Pasas del baile, a la reflexión o del relajo al fronteo. Y en segundo lugar hacemos notar el hecho narrado por Dr Sagga, el proceso creativo de este álbum tiene sus orígenes cerca del año 2016 hecho que refleja una trayectoria ardua de consecución, brindado elementos sensitivos que hacen el disco enriquecedor emocionalmente.

Para Dr Sagga es difícil hablar de inspiración en estos tiempos tan cortos y caóticos, así relata sus pasos actuales: “Me cuesta trabajar en totalidad una canción de principio a fin. Me puede tomar varios días o semanas, distribuidas en horas, que según mis cálculos, son bien escasas temporalmente. Esto te lo cuento en tiempos de pre-pandemia, imaginate ahora” (1), señala. 

“Por otro lado, al compilar todo y darle vueltas de tornillo a cada canción, logró darle un sentido o asociarlo a algún suceso importante de mi vida. Lo considero bastante improvisado, después de Gold decidí no utilizar más este método, solo para lograr tener algo más elaborado de principio a fin”, finaliza.

Gold es una mezcla de todo. En palabras de su autor: son situaciones que ha compartido con ciertos círculos cerrados que no tienen conocimiento de que suceso está conectado con cada canción. Es todo lo que se encuentra fuera de norma, al margen de lo común. “También lo que moleste o altere. (le compro a Banski que de eso se trata el arte)”, indicó.

Gold viene además con un formato audiovisual poco utilizado en la industria del Hip Hop, no así en otras.

Alejandro Saravia nos cuenta que se encuentra muy contento de publicar algo más elaborado que un EP o Beat Tape. Le complace mucho volver a escucharlo y encontrar detalles para mejorar. Sus anteriores publicaciones se encuentra disponibles en las principales plataformas de la web.

¿Qué piensas de la cultura beatmaking en Chile?

Me gustaría que fuera más valorada, mejor pagada y menos machista. Comparto con varios beatmakers y son valorables las ganas de superación y la tolerancia a la frustración, pero me da pena un poco que hay que rebuscarselas de muchas maneras para salir adelante. Todo por la falta de valoración (así es el arte en Chile hasta donde he visto).

¿Qué piensas de la cultura Hip Hop en Chile?

Actualmente estoy muy alejado de la cultura, me trajo buenos momentos, eventos y gente, por sobre todo el animo para ser cada vez mejor en lo que hago. Se nota el esfuerzo puesto en cada evento y organización y da gusto ver el proceso y los resultados. Actualmente estoy bastante alejado de la cultura (sin dejar de lado la gente claro) pero en ese tiempo y pensándolo bien ahora, me hubiera gustado ver a la cultura mas inclusiva y menos machista. Esas son cosas que al día de hoy no miro con buena cara.

¿Cuáles son tus principios o cosas que no olvidas?

Si no lo hago yo, nadie lo va a hacer por mi, no hay excusas ni tiempo que perder. Si tienes tiempo para carretear, tienes tiempo para tus proyectos.

Entrevista + Sesión de Beat. (Programa Beatmakers Attack 2 Temporada)

Pueden encontrar su música en Sopotify y seguirle en redes sociales @drsagga

“Caminando entre árboles”

Lima Beats 2020 (ph por @compost_fotografía)

Short Preview: Álbum : Qi

El productor mendocino Lima Beats presentó hace unos días el primer avance de lo que será su próximo álbum llamado “Qi”, un encuentro de sí mismo para acentuar la conciencia activa sobre lo que nos rodea. Una puesta audiovisual y sonora que anticipa profundamente los hermosos detalles de la vida. 

Por la Ciudad Respirando

Luciano Fabrizi (27) a.k.a Lima Beats dio a conocer la primera muestra de lo que será su siguiente disco de larga duración que lleva por nombre “Qi”, un proyecto que según sus palabras tiene por inspiración a la “naturaleza misma y también a la filosofía oriental taoista”. Por si no lo saben, aquella conjunción de letras tiene un significado muy profundo en diversos países del oriente y es utilizado para referirse “al flujo de energía vital”. 

Portada del Single

“Qi” es una cualidad intangible de todo ser humano, un concepto que trasciende cualquier tipo de identificación con la forma, una virtud imperecedera, un elemento que va y viene. El productor argentino intenta abrir camino para que podamos percibir ese tránsito, y así sopesar y dar cabida a la agitación  del contexto que actualmente compartimos.

Cerca de tres meses duró la creación de “Caminando entre Árboles”, desde su concepción instrumental hasta el  nacimiento de su video. Para Lima Beats un desafío ya que fue realizada en contexto de pandemia, sin embargo el resultado “fue mejor de lo esperado”, afirma.

“Caminando entre los arboles” 2020 – Lima Beats

El track propone elementos sutiles y sencillos: reflejos de agua, hojas, piedras, caminos, aves, ramas, troncos, entre otros. Detalles importantes que construyen la travesía de estos ritmos. Un desplazamiento que ocurre acompañado por todos aquellos símbolos, todas aquellas energías. Cálida y reconfortante guía es la naturaleza.

El vídeo estuvo a cargo de GwagenFilms.

La reseña del audiovisual expone el sentimiento del artista:

“En este álbum intento interpretar la energía universal que nos rodea y cómo impregna a todos los seres de manera diversa. Intangible, invisible pero siempre allí; fluyendo, expandiéndose y en continuo movimiento”. “Somos uno con el universo”.

Ideas que se vierten en los contornos del boom bap o el lo-fi, el soul y el jazz. Lima nos cuenta que su búsqueda “consiste en combinar estos componentes con instrumentos étnicos y atmósferas meditativas”. Además nos comparte que simplemente se deja llevar por la creatividad del momento. 

Comenta que para sus producciones intenta llevar un hilo conductor que haga que éstas sean originales  y así lograr el sonido que lo caracterice. “Hay veces que salen muy buenas en pocas horas y otras donde no fluye tanto. Es parte del equilibrio artístico”.

Estilo que ya marcaba una singularidad  luego de que el pasado 2020 Lima Beats presentase “PANGEA”, seis temas de corte enigmático y contemplativo. La primera antesala de lo que el productor argentino viene desarrollando para sí. A el se suman los anteriores trabajos “Amor al doble H” (EP de cuatro canciones), y los singles “La danza de los opuestos”, un remix “is it because i’m blvck” y otro single con la crew 3080 llamado “la de oro”, todos disponibles en las plataformas Youtube y Spotify.

Lima Beats nos cuenta que parte de su influencia como artista es el reconocido “Cookin Soul’s  (Valencia, España*), grupo donde solo permanece activo Big Size. A ellos se suman Manu Beats, Klim Beats, Frane, SFDK, Blasmen, Rapsuskley, Chyste MC e Hijos de las Hojas, entre otros.

Hace hincapie en la situación que mostró su impulso por los beats. Así relata: 

“Fue que tenía un grupo de amigos que se había cebado con el freestyle y rimar. Yo no quería quedarme afuera e intentaba rimar con ellos. pero no me sentía cómodo. Comencé a pensar cómo podía hacer para no quedarme sin esa cuota de Hip Hop. Empecé a indagar en el beatmaking, ya que siempre sentí un atractivo muy fuerte hacia la música”. 

Lima Beats comparte que su arte se ve alimentado por “las vivencias del día, un abrir la cabeza con pensamientos de otras culturas -principalmente la oriental- por ejemplo, para poder canalizar todo aquello en la música e intentar transmitir una manera particular de ver la vida”, señala.

Lima Beats

Inicios

El productor oriundo de la ciudad de Mendoza nos cuenta que la composición de beats comenzó hace unos 5 años atrás, cerca de los años 2015 y 2016. Su aprendizaje partió cuando se vio indagando videos tutoriales, lo que en un plazo de tiempo debió ser profundizado. Para ello se inscribió en una escuela de audio y sonido de Mendoza, el Instituto I.M.A.S, donde obtuvo el titulo de “Especialista en audio y sonido” y “Especialista en ingeniería de grabación”.

De allí participó en distintos proyectos. El pasado 2020 se perfeccionó realizando un curso de mezcla y master en una escuela de Buenos Aires. Actualmente forma parte de un grupo de Hip Hop en Mendoza, la “3080”, formado por tres mc’s y dos beatmakers.

A los 11 – 12 años, Lima Beats se encontró con la cultura Hip Hop. A esa edad comencé a patinar en skate con un amigo. Escuchaban SFDK, Rapsuskley y Morodo, veían muchos videos de skate donde aparecía también música y la cultura. La calle, el graffiti, l@s rapers, y el ambiente skate le hcieron conocer el Hip Hop “a flor de piel”

Contra portada single

Decidió comenzar a dedicar energías a crear beats cuando luego de tocar batería en varias bandas cayo en la cuenta de que podía crear instrumentales completas desde su propia habitación. “Era mi sueño poder tocar muchos instrumentales y a veces vía lejos la posibilidad de tenerlos todos. Con el beatmaking pude cumplir esto, ya que me abrió la cabeza para aprender acordes, ritmos, progresiones, etc. Al crear con daws puedo “tocar” todos los instrumentos que alguna vez soñe. Actualmente estoy aprendiendo a tocar la flauta de bamboo y además ya sé tocar batería”, narra.

Luciano Fabrizi (27) a.k.a Lima Beats (foto de su instagram)

¿Cómo te sientes luego de terminar el proyecto, ahora que puedes escucharlo y compartirlo?

Sinceramente me siento satisfecho con el resultado final de esta pieza, y motivado a seguir aprendiendo para sonar cada vez mejor. Muy agradecido también por la gente que estoy conociendo para trabajar tanto en lo visual como musicalmente. Y las personas que se copan escuchando mi música y me apoyan con esto. 

¿Qué se viene para Lima Beats en lo próximo?

En lo próximo finalizar este álbum y poder lanzarlo en todas las plataformas.  También tengo muchos proyectos en curso que quiero lanzar este mismo año como beatmaker, algunas colaboraciones con otros artistas y algunos mc’s. 

¿Algo que nos quieras comentar del álbum? ¿Algún tipo de recomendación?

 El álbum consta de 5 canciones, las  cuales tienen como hilo conductor sembrar consciencia de la energía universal que nos rodea y poner en valor la conexión con la madre tierra.  Mi recomendación es tomarse el tiempo para escuchar y ver la obra e intentar transmitir este mensaje consciente a más personas. 

Pueden seguirlo en Instagram : Lima Beats

Amor al Doble H (2020)

Recomendación : “Sarín” – Crazysusmonkeys

Caratula del disco Sarín 2020 – Crazysusmonkeys

Luego de años silenciosos trabajando de forma minuciosa, el grupo originario del maule Crazysusmonkeys nos brinda su primer disco de larga duración llamado “Sarín”. Un compuesto lleno de matices y sonidos diversos Un gas de melodías animosas y palabras directas . El rap, el funk y  el jazz se asoman en estos nueve temas que exponen diferentes perspectivas de la sociedad, transitando por el descontento y la desesperanza pero siempre amparados en la música y su verdad. 

Por la Ciudad Respirando

Pocas bandas que utilicen elementos del rap hoy en día se encuentran activas, por lo que Crazysusmonkeys podría representar el último bastión regional. Afortunadamente nos entregan su primer trabajo de larga duración, hecho que asegura próximas estaciones en el zenit de su creatividad. 

Crazysusmonkeys libera “Sarín”, un disco cargado de reflexiones, procesado por la rabia y el descontento, pero ecualizado en las ganas de tocar y el sentimiento de crear música. Un cambiante reparto entre su anterior EP y este, nos deja a la banda con nueva composición, la que el pasado 2020 estrenó este álbum. La agrupación original comienza a tejerse el 2015. 

Crazysusmonkeys

Según sus creador@s, la inspiración de “Sarín” pasa “por denunciar los vejámenes de las sociedades modernas, recordando que no vivimos en un cuento de hadas, sino que en el peor sistema neoliberal”. Sin embargo, recalcan en que pese a ello existe la música, eso que nos devuelve algo de paz y nos entrega la oportunidad de desarrollarnos como seres, de esta manera poder apreciar lo bello de la vida. 

“Pasan los años, pasan los minutos, pasan silenciosos los segundos nauseabundos, pasan me amordazan y me siento moribundo, pasan días, semanas, guerra interna entre mis mundos”  sentencian en la canción Muerte. 

Crazysusmonkeys circundan por bastantes géneros musicales, si bien no directamente, podemos suponer que su escucha sí se caracteriza por ser variada. Nos cuentan que intentan rescatar todo lo que les satisface. Guitarras, bajos y baterías encausan las raíces afro y los gustos por el rock, el funk y el rap. “Ahora estamos trabajando en un tercer disco donde expondremos los sonidos latinoamericanos”, comentan.

“Abro la ventana de una realidad inventada entre renglones de pestañas la luz de mala maña” – afirma en la canción Desperró

Deperró / Crazysusmonkeys (@mapacheaudiovisuales)

Tod@s l@s integrantes de la banda crean letras, no solo l@s mc’s. Crazususmonkeys asegura que muchas son flujos personales que emanan desde lo más profundo, arraigadas en este contexto donde nos desenvolvemos socialmente. Otras temáticas -cuentan- provienen de las conversaciones que como banda tienen, así van desmenuzando los textos.

Su primer EP llamado “Crazysusmonkeys” consta de cuatro canciones, una mezcolanza entre creaciones nuevas y antiguas. Las escogidas fueron las más representativas. Esta banda transita por veredas experimentales en la música chilena, no existen muchos grupos que hoy se encuentren cambiando los formatos y activando la música desde los propios instrumentos. Las voces y sonidos suenan tremendamente limpios, un hecho que denota su preocupación por el fondo antes de cualquier superficie.

Actualmente se componen de seis integrantes: Allan Pailamilla (Batería), Ignacio Moya (Bajo), Ricardo Cruzat (Guitarra), Mauricio Troncoso (MC *Canto en EP), Máximo Lobos (MC *Cantó en Sarín) y Francisca Miño la MC actual.

La banda se ancla en la ciudad de Talca, región del Maule y sus integrantes se mueven entre los 25 y los 33 años de edad.

Según sus creadores, desde los 90’ han estado ligados al rock, específicamente al nu metal, pero como todo termina conectándose el rap surgió de forma natural, así también el funk y otras corrientes de música afro. Su entero agradecimiento cae en Allan e Ignacio, dos de sus miembros que han trabajado en proyectos anteriores donde la intención ha sido aplicar el rap como arma de crítica social.

Para “Crazysusmonkeys”, “Sarín” es como un nuevo nacimiento. El hacer música, el hacer rap, constituye su alimento, su motor. Asumen y reconocen que siempre habrá cosas por mejorar, cosas que faltan  por decir o hacer, pero ensayando y creando, además de su experiencia, irán desplegando la forma  y así ir saldando lo pendiente en términos musicales.

Muerte – Sarín 2020

Nos adelantan que su tercer disco, el cual se encuentran trabajando, es bajo marcadas influencias latinas, desde el festejo peruano al bosa brasileño. Se suma a este proyecto -y por primera vez- una voz femenina que por azar termina siendo la pieza fundamental en la perspectiva de este próximo disco.

¿Algo que quieran comentar del álbum? ¿Algún tipo de recomendación?

Nos gustaría que lo pudieran escuchar de principio a fin y que lo disfruten tanto como nosotros, y que cualquier retroalimentación será bien recibida en nuestras plataformas. Muchas gracias.

El disco “Sarín” y su anterior EP se encuentran disponibles en las principales plataformas musicales. Pueden seguir sus redes sociales. Les compartimos material dispuesto en Youtube.

“No es solo bailar como dicen por ahí”

Victoria Jara (32) a.k.a Visnu / Fotografía extraída de su Instagram / Retratada por Sandro S (@otroperfil9)

En nuestra noble misión de acercarnos a la esencia de quienes transitan por el páramo de la cultura Hip Hop, entrevistamos a Victoria Jara a.k.a Visnu, destacada artista chilena, bgirl capitalina, que nos compartió un poco de su historia en la disciplina y otro tanto de sus perspectivas y proyecciones. Es la primera publicación referente a otr@ representante en este amplio universo de saberes, por eso le agradecemos enormemente su narración.

Por La Ciudad Respirando

A propósito de la inclusión del breaking en el certamen deportivo conocido como los Juegos Olímpicos,  la disciplina nacida en el Bronx (Nueva York, EE.UU)  hace años que ya viene siendo medida y galardonada en diferentes partes del mundo. La Red Bull BC One, por dar un ejemplo y otras tantas competiciones son una muestra del alcance poco percibido que tiene este movimiento.

En un comienzo solo veíamos a unas cuantas niñas y niños desplazando y torciendo sus cuerpos en algún escondido lugar de Santiago. Puede que solo quienes simpatizamos con la cultura Hip Hop encontramos belleza y entendemos (en parte) el entramado oculto en las piruetas y posiciones. Por suerte más pronto que tarde, el muro se romperá y la gran mayoría de habitantes en el planeta serán testig@s del maravilloso trabajo emocional y corporal que las personas practicantes del breaking poseen.

Pero alguna vez las cosas no fueron así. Alguna vez se tuvo que empezar. Victoria Jara a.k.a Visnu (32) es una bgirl capitalina con años de trayectoria. Ella sabe bien cómo fue y cómo es la orgánica del breaking en nuestro país. Para conocer más decidimos contar parte de su historia. Podrán notar que finalmente la disciplina -y la danza- es una vía directa al reconocimiento interior, siempre y cuando cumpla con el requisito de ser amado. 

Victoria nació en el seno de una familia danzante. Fuera de escuchar mucha música, su madre bailó y cantó en un conjunto folclórico de la Universidad de Santiago, mientras que su padre lo hizo en la reconocida agrupación “Palomar”, una de las más antiguas de Chile, donde fuese participe la destacada compositora Margot Loyola. Aquello produjo que durante las reuniones familiares, ella tuviese contacto directo con este flujo artístico. Me acuerdo hasta de un vecino que bailaba en el Banch (Ballet Nacional Chileno) que enseñaba destrezas a todos los niños del pasaje”, señala.

Su infancia giró en ello. Se recuerda a sí misma con gran devoción hacia la adrenalina y hacia los riesgos. De pequeña atisbó una inquietud por experimentar situaciones corporales fuera de lo normal. Con siete años enfrentó su primera selección. Debió optar por la música o la gimnasia. No sabía en cual incursionar porque por ambas sentía interés. Sin embargo en ese momento se inclinó por desarrollar la gimnasia.

Esto sentó el precedente de reconocimiento y activación física. Siendo el 2021 podríamos mencionar que no es una sorpresa que Visnu continuará en la danza luego de la gimnasia, pero en ese entonces nada se daba por sentado. Practicó en la Escuela Moderna, donde escuchar música y navegar los sentimientos que ésta le producían superaron con creces el desafío deportivo. A priori conoció el rap y durante su adolescencia disfrutó mucho del producto nacional y del americano, influencia directa para nosotr@s.

Visnu bailando en un Cypher (@photography.jny)

“Recuerdo que con el grupo de danza viajamos a Brasil y tuve la oportunidad de ver compañías de Street Dance. Me llamó la atención que tod@s se veían felices y muy vitales a diferencia de quienes lo hacían de forma técnica y académica”, afirma. Bailar música popular y otras cosas de menor pelo fueron parte de sus motivaciones ya que en ella no resonaba tanto representar los famosos repertorios de Broadway u otros reconocidos escenarios. “Cuando llegué busqué algo en Chile pero no encontré”, recuerda.

Visnu nos cuenta que nunca vio mucho en su barrio porque se declaraba media “rata”, no salía tanto. Papá y mamá se esforzaban mucho en el trabajo hecho que permitió a su familia contar con servicios de cable con algo de antelación a la masividad. “Vi break en la TV y luego salté a un Street Show en Valpo. Lo vi y dije wow. Me gustaría mucho hacer eso”, rememora sobre su primera proyección. A los 17 años conoció a personas que se encontraban participando en la escena chilena del break y desde ahí no paré más hasta ahora”, declara.

Puro y duro breaking

El breaking es sin dudas una disciplina que debe ser practicada y re contra practicada. Probablemente la inspiración sea parte del motor pero no es sino la determinación para ir una y otra vez con el movimiento la que podría dar una ventaja o abrir una ventana al sentimiento puro cuando alguien se encuentra en este camino.

Es un arte que si bien puede aprenderse de forma autodidacta, nunca logrará trascender si no es puesto al servicio del cypher y del compartir colectivo. No hay mejor enseñanza que la obtenida desde el corazón con la ayuda de un/a compañer@.

Visnu (@visnulaquebaila)

Cuando empezó , Visnu ya tenía la disciplina, la determinación y el orden. Aprendió a dirigirse entrenando gimnasia. Sus primeros años en el breaking los cuenta llena de moretones y dolores. “Creo que me hice bastante daño en el cuerpo sin saberlo” declaró, aunque siempre estuvo agradecida de sí misma por fortalecer sus hábitos: dormir lo necesario, salir poco y no consumir drogas.  “A diferencia de la gimnasia en el breaking hay muchas técnicas distintas por lo que se puede ir probando y descubriendo la manera en que tú aprendes. Todo se basa en la repetición, en la curiosidad y el ingenio”, afirma.

Así fue como de las estrictas y meticulosas clases de danza, Visnu saltó a las calles. En ella encontró la risa y el compañerismo más que en cualquier otro lugar. Para mí era divertido. Era genial reírte y compartir mientras entrenabas”, señala.  Siempre es interesante conocer gente nueva que gustara del baile, pero en los inicios, de esa aleatoriedad resultó en algunos casos una tremenda incomodidad. Fueron incontables episodios donde debió lidiar con el acoso y la mirada perversa de sus compañeros hombres. Esa intención que parece noble pero por detrás esconde el amargo deseo de conseguir algo más. Resulta intolerable como en nuestra cultura Hip Hop, el machismo y el abuso hacia la mujer siguen sosteniéndose y validando. En el baile más aún. Debe resultar fácil llegar a alguien con la intención de transmitir un conocimiento para luego terminar traicionando la confianza. Así relata Visnu la idea:

 “Siempre fuimos pocas, por ejemplo 20 hombres y 3 mujeres, la mayoría era pareja de un bboy.  Pero en ese momento al ser una chica menor de edad y estar “sin la custodia de un hombre” varias veces me incomodé por miradas, comentarios y por la doble intención detrás de la enseñanza. ¿se entiende?. Hablo de acoso”, relata.

Sin embargo, nadie ni nada pudo apaciguar el espíritu que envolvía su temple. A base de trabajo y determinación aprendió entonces el baile de pie (toprock), el baile en el suelo (footwork) y el Freeze (movimiento donde la bgirl o bboy se congela durante una pausa en la música). Victoria nos confiesa que uno de los valores más importantes por lejos que el breaking le ha  legado es la honestidad y de ello nos comparte una profunda referencia.

“Como decía Marta Graham –reconocida bailarina americana, coreógrafa y directora de múltiples compañías de danza moderna. Considerada por tod@s como una de los pilares fundamentales del baile contemporáneo, fallecida en 1991-  el cuerpo no miente, es tan claro que no puedes engañarte porque se siente y tú lo percibes. A veces los demás no, pero tú sí”, afirma.

Visnu expresando a través de la danza (Fotografía de @loismalfoy)



Bajo aquella filosofía que recubre sin problema los planos físico, emocional, mental y espiritual, Visnu ha forjado su carrera en el breaking. Se ha presentado en innumerables escenarios, tablas, suelos y también países. Son un poco más de 20 años siendo una con el cuerpo, entendiendo, respetando y cuidando. En la percepción de la Ciudad Respirando podríamos suponer que un@ no es el cuerpo, sino que nada más quien le otorga personalidad, por ende para sacar el máximo provecho es trascendental conocerse y conocerle. 

Mi vida, mi ritual, mi cura.

Es curioso como nos cuesta mostrarnos. Casi todo el día a todas horas llevamos una  sutil máscara que nos permite desenvolvernos sin salir tan dañad@s cuando enfrentamos una partida en la sociedad.  Imaginense como debe ser bailar en este mundo lleno de miradas expectantes, prejuiciosas y estigmatizantes. Sin duda las bgirls y los bboys han desbloqueado más fácilmente el recuerdo de sí. Claro, porque si te recuerdas, puedes percatarte de que solo llevas una máscara, y así dejarla cuando sea necesario. Una acción casi natural.  Y aunque sea momentáneo, creemos que deben estar muy cerca de la permanencia.

Tanta es mi curiosidad que decidí preguntarle por su ritual, por la mística que brota al momento de salir a escena,  por el segundo antes de saltar al cholguan, la sensación de moverse en el cypher. Visnu nos cuenta maravillosamente la intimidad de su relación con la danza, de su amor con el breaking, de su conexión corporal: 

“El ritual comienza en mi casa. Escojo un look que tenga relación con cómo me percibo y cómo quiero presentar lo que hago. Caliento y estiro -ojala- antes de salir para poder sentirme fresca. No  se llega a practicar porque se pierde la magia. Cuando estoy, puedo conectar con todo: espacio, personas y sobre todo la música.  

B-Girl Visnu en Red Bull BC One (2017)

Debes sentir el momento perfecto para entrar, estudiar el espacio y mientras más atención colocas a ese presente es mucho mejor. Personalmente para comenzar me sitúo en un lugar. Escucho la música y conectó tres puntos: el pecho, la pelvis -siendo más explícita la vagina ya que considero que esta es un lugar de mucha conexión donde el cuerpo se puede enraizar al momento presente- 

Luego muevo los pies. Defino mi espacio. Fluyo y espero el momento de bajar al suelo. Dejo que la música me diga que hacer. Recorro el suelo, transito y cargo un motivo hasta el final. Siempre termino en pose o voy disminuyendo la intensidad hasta salir del chyper o escenario”

El baile es para Visnu un espacio seguro, de confianza y calidez. A su vez también uno de sus mayores desafíos, y dada la naturaleza valerosa y creativa de su personalidad, las lesiones han acompañado sus logros. Existen muchas historias de sanación que datan de centenares de años, y hasta la actualidad eso sigue ocurriendo en donde menos pensamos. Y no solo nos referimos a una cura física, sino también a una espiritual.

Final Competencia “Sudaka” Visnu v/s Lil Mami (2014)

Visnu tuvo la mayor lesión de su carrera cuando tenía 21 años. Un corte en el ligamento cruzado de su rodilla fue algo difícil de superar. Pero lo logró. Aquel suceso la hizo valorar su salud por sobre cualquier objetivo. Es más, todo ese trabajo le permite hoy darnos una pequeña pasada de su experiencia, revelándonos parte de la relación personal que tiene consigo misma ya que es por allí donde se pueden gestar -sin ser conscientes– la mayor cantidad de lesiones. Así nos cuenta:

“Muchas veces en las competencias con premios grandes, me auto-saboteaba a tal punto de enfermarme o lesionarme. Fue un trabajo profundo lograr enfrentarme a la situación donde deseas tanto algo que a la vez te juega en contra”, señala. Además nos comparte que uno de los grandes desafíos que propone el breaking y las danzas es la comparación, ella aconseja que un@ debe permitir que le comparen pero a la vez nunca perder la confianza en si mism@, afirma.

Visnu señala un gran fantasma dentro de la danza, y en general, acompañante de tod@s quienes emprenden algún arte: el rechazo. Ese que se presenta en los trabajos, en los casting.  Ese falso criterio que muchas veces discrimina nada más que por un capricho o una simple obstinación. Hay que aprender a lidiar con que te puedan discriminar físicamente, con la opinión que las personas tienen de ti. Por eso es importante aprender a escuchar y a editar ciertos comentarios”, aconseja. Aquel enemigo siempre lleva en su hombro el miedo a jugarse la vida en lo que uno ama. Jugarse la vida en algo que se presenta de forma inestable, algo que puede fallar y que no es para siempre. Por eso Visnu valora lo que hace, valora su trabajo a pesar que muchas personas no. Valora su esfuerzo. Valora el enriquecimiento a pesar de ser algo inmaterial. 

“Tierra, Viento y Sabor” ( Foto : @tierravientoysabor)

Visnu pertenece a “Tierra, Viento y Sabor”, una crew del sector sur de Santiago formada por gente de Chile y Colombia, donde comparte con personas entre los 21 y los 34 años. Además se agrupa a la destacada crew “Mariwoman”, mujeres con una extensa trayectoria demostrando su calidad en los break beats. “En esa crew casi todas son madres menos yo, se ha dificultado el trabajo un poco pero la esencia siempre prevalece”, nos narra.  Su voluntad le ha permitido bailar en diferentes espacios, a diferentes ritmos y tiempos.  Parte de su pertenencia también la recibe un colectivo de danza urbana llamada “Nes Familia”.  Victoria considera que una crew surge de la amistad donde en consecuencia se matiza un enfoque similar del breaking. Más que mal son personas con las que seguirás creciendo, compartiendo y escribiendo un legado. “Es una manera de trascender ya que si dejo de bailar sé que vendrá gente después al mismo grupo y l@s más jovenes le enseñaran el estilo a l@s nuev@s y así sucesivamente”, explica.

El breakin la ha transportado a muchos lugares. Todos los escenarios la emocionan incluso cuando se presenta en su pieza para sí misma. Recuerda con cariño la Cúpula de Santiago y el Centro Gabriela Mistral, pero estoy seguro que su expresión se eleva cuando con orgullo y humildad puede contar que bailó en la meca de nuestra cultura: el Bronx. También lo hizo en Los Angeles ahí “frente a los OG (pioneros), fue increíble”, relata. No solo Estados Unidos ha visto su rutina, ciudades como Buenos Aires, Sao Paulo, Ciudad de México y Bogotá han servido de tránsito a su alma. “Cada ciudad me inspira, el rayado muchas veces gris y triste para mi tienen una belleza que no sé como explicar. Cada vez que viajo es muy gratificante”, comenta.

Para finalizar Victoria nos explica cómo despliega el proceso creativo de sus coreografías y movimientos. Es un área fundamental ya que finalmente detrás de cada paso, posición y expresión se halla un entramado muy bien protegido. Una filosofía oculta. Un trabajo de joyería. Así lo relata:

“Para montar coreografías trabajo desde la música o el espacio en el que me presentaré. Estando allí escribo conceptos de forma intuitiva para seguir con la improvisación de esa corriente. Lo que se repite lo voy sintetizando hasta dar con una estructura que defina las ideas de forma clara. No soy literal, pero sí clara. 

Además voy renovando mi lenguaje de movimientos. Siempre escojo inspiraciones, imágenes, películas, personas de otras épocas, situaciones, deseos y regalos que quiero entregar a través de la danza

B-Girl Visnu (Flava & Groove) (2015) (Realización Imaginar Pro)

¿Cómo ves la cultura break en Chile?

La valoro porque es pura gente de esfuerzo, buena para practicar. Siento que acá no hay tantos circuitos o eventos con dinero, premios grandes y oportunidades, por eso la gente lo hace porque le gusta y eso quiere decir que hay corazón. A pesar de la competencia hay humildad, no es solo bailar como dicen por ahí. 

Pensando en qué podría aportar, me gustaría que hubiesen instancias para bailar breaking fuera de la competencia: compartir, conversatorios, bailar con bandas, optar a un buen sonido o con djs. Creo que eso permitiría la expresión de la singularidad ya que solo entrenar y competir no permite desarrollar el carácter.

¿Por qué crees que no hay muchos medios de comunicación dedicados a cubrir esta área del Hip Hop?

Después de muchas reflexiones y conversaciones creo que la danza es una de las artes más pobres ya que solo necesitas tu cuerpo, no necesitas una máquina o un objeto para cual colocar una tarifa y que el mercado se interese. Tod@s tenemos cuerpo. Por ahí el valor quizás lo da el vestuario o la pirotecnia pero no siempre se valora el cuerpo en sí.  Creo que eso hace que no se interesen mucho, finalmente no hay tanto que vender, quizás ropa pero ahí pasa a ser un tema más de imagen.

Tampoco hay organismos que regulen las creaciones, ni agrupaciones de danza con sueldos estables. Creo que de por si el bailarín o la bailarina es como simple y no a tod@s les resulta el tema de los números.

¿Cómo ves la cultura Hip Hop en Chile?

Honestamente en Santiago no veo mucho Hip Hop, hablando en términos de Jam: cuatro elementos reunidos, fiesta e improvisación. Sí que veo fiestas de rap o “tocatas” donde invitan bailarin@s, pero no veo la unión de los elementos en forma masiva. Ha sido en regiones donde he visto más eventos así ya que creo que en lugares pequeños será más fácil juntarse.

Cada rama ha ido creciendo y volviéndose más profesional, pero finalmente cada una por si sola, por ejemplo la música, la pintura o la danza, pero no juntas. El 2019 junto al estallido, y para mi agrado, la danza se volvió más política y las calles se llenaron de contenido. No eran solo tags o nombres sino frases y palabras que la gente no podía decir. También la música y la danza comenzaron a ser vías de escape para las ideas reprimidas y la gente comenzó a unirse. Creo que esa expresión fue muy Hip Hop,  de forma abstracta, pero Hip Hop.

¿Qué proyectos vienen para ti próximamente?

Es una difícil pregunta para el año que acaba de pasar pero sí los hay. Sigo con el proyecto “Chypheritos” que es una escuela -ahora virtual- de break para niñ@s. Seguiré entrenando también  jóvenes y adultos. Me gusta mucho trabajar la investigación.

Hace un tiempo vengo en el flujo de trabajo con música de autor, y coreografiar videoclips y videodanza. Y claro que pretendo seguir entrenando y compitiendo por algunos años más con mi crew de viajes y organización de eventos.

Taller “Cypherito” donde Visnu es profesora. (Fotografía @visnulaquebaila)

Para seguirla pueden visitar su cuenta de instagram: Visnu

Les compartimos más vídeos que pueden encontrar en Youtube.

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